L’arte di Franco Farina regala agli occhi di chi l’ammira la dignità delle cose. Il suo processo creativo nasce dall’incontro fortuito con i materiali di scarto: in una sorta di affinità elettiva l’oggetto viene prelevato dal suo stato di abbandono e nelle mani dell’artista tira fuori il proprio carattere, divenendo materia pittorica.
Con grande maestria – derivante del suo passato di restauratore – Farina mescola e combina i pigmenti ai più disparati materiali come legno, lamiere edili e scatole di latta appartenenti a qualche decennio fa. In tal modo la superficie pittorica si fa quasi tridimensionale, trabocca dai confini del quadro come un combine-painting di Robert Rauschenberg. Quest’ultimo era assillato dalle contraddizioni della società consumistica impietosa verso ciò che ormai apparteneva al passato, ciò lo sospinse ad appropriarsi e a manipolare quel passato stesso, a riutilizzare i rifiuti salvandoli dalla loro condizione di rifiuti, inglobando come una calamita il mondo del reale sulla superficie dell’opera.
Fu il critico inglese Lawrence Alloway a coniare nel 1961 il termine Junk art in occasione dell’esposizione The Art of Assemblage al MoMa di New York, cercando di definire una forma d’arte che si serviva degli scarti della società consumistica e che vedeva le proprie origini nei collage cubisti, nei ready-made dadaisti, nell’accumulo che Kurt Schwitters faceva con la sua opera massima Merzbau, ma anche nelle opere di Alberto Burri realizzate con i logori sacchi di juta che conservavano il loro significato originario portando il dolore nelle lacerazioni.
Non c’è nulla di pietoso e patetico nel gesto del raccogliere ciò che la società consumistica ha buttato, nessuna intenzione di dare significato altro alle cose, non siamo davanti a un lavoro di riciclo che per sua natura trasforma lo scarto per ricavare qualcos’altro – di utile senz’altro – ma non è questo che fa Franco Farina e nemmeno i suoi predecessori.
Gli scarti di cui parlo sono cose vissute che raccontano la propria storia attraverso i segni che portano ed è proprio questo che li rende affascinanti. Lo scultore pugliese Ezechiele Leandro che dei materiali di risulta ha fatto la base della propria arte diceva “tutto ciò che l’umanità scarta io raccolgo”. L’uomo nella società dei consumi non riesce a comprendere il valore intrinseco delle cose, quindi, attua quel processo di scarto e sostituzione continua in una sorta di bulimia consumistica. L’artista raccoglie.
Franco Farina servendosi di tali materiali realizza la sua mitologia contemporanea: i suoi soggetti hanno una sacralità monumentale, le sue madonne dai capelli di latta incantano lo spettatore con la loro bellezza sospesa tra cielo e terra. In queste opere gli oggetti di recupero conservano chiaramente la propria impronta, sono riconoscibili, spesso come una madeleine proustiana ci conducono in viaggio nel nostro passato con un velo di malinconia, la stessa che attraversa le braccia anelanti in molte opere di Farina.
Siamo davanti a un’arte di protesta, un’arte che contesta il modo di vivere attuale fatto di insoddisfazione e di corsa all’ottenimento di beni totalmente superflui. Il rifiuto si fa così metafora di ciò che vive ai margini, nell’ombra, di chi soffre e vede totalmente ignorato il proprio dolore. In questa esposizione i rifiuti tornano nella propria casa, ci conducono in un luogo spesso ignorato: il centro raccolta di Crispiano diviene galleria d’arte, si riprende tutta la dignità come gli oggetti che vi abitano e i lavoratori che lo vivono. Franco Farina ci invita a fermarci, a rallentare, a contemplare la “straziante meravigliosa bellezza del creato” come i due burattini (Totò e Ninetto Davoli) finiti nella discarica in quel capolavoro che è “Che cosa sono le nuvole?” di Pier Paolo Pasolini.
Sara De Carlo
Storica dell’arte
L’art de Franco Farina donne à l’œil du spectateur la dignité des choses. Son processus créatif naît d’une rencontre fortuite avec des matériaux de rebut : dans une sorte d’affinité élective, l’objet est tiré de son état d’abandon et, entre les mains de l’artiste, il fait ressortir son caractère propre, devenant matière picturale.
Avec une grande habileté – découlant de son passé de restaurateur – Farina mélange et associe les pigments aux matériaux les plus disparates tels que le bois, la tôle et les boîtes de conserve datant de quelques décennies. De cette manière, la surface picturale devient presque tridimensionnelle, débordant des limites du tableau comme une peinture combinée de Robert Rauschenberg. Rauschenberg était tourmenté par les contradictions d’une société de consommation impitoyable envers ce qui faisait désormais partie du passé, ce qui le poussait à s’approprier et à manipuler ce même passé, à réutiliser les déchets en les sauvant de leur condition de déchets, englobant le monde de la réalité comme un aimant à la surface de l’œuvre.
C’est le critique anglais Lawrence Alloway qui a inventé le terme Junk art en 1961 à l’occasion de l’exposition The Art of Assemblage au MoMa de New York, en essayant de définir une forme d’art qui utilisait les rebuts de la société de consommation et qui trouvait ses origines dans les collages cubistes, dans les ready-mades dadaïstes, dans l’accumulation que Kurt Schwitters réalisait avec son œuvre maximale Merzbau, mais aussi dans les œuvres d’Alberto Burri réalisées avec des sacs de jute usés qui conservaient leur signification originale en portant la douleur dans les lacérations.
Il n’y a rien de pitoyable ou de pathétique dans le geste de ramasser ce que la société de consommation a jeté, aucune intention de donner un autre sens aux choses, nous ne sommes pas devant une œuvre de recyclage qui, par nature, transforme les déchets pour obtenir autre chose – quelque chose d’utile sans doute – mais ce n’est pas ce que fait Franco Farina, ni ses prédécesseurs.
Les rebuts dont je parle sont des choses vécues qui racontent leur propre histoire à travers les marques qu’elles portent, et c’est précisément cela qui les rend fascinants. Le sculpteur des Pouilles Ezechiele Leandro, qui a fait des déchets la base de son art, avait l’habitude de dire “tout ce que l’humanité jette, je le collecte”. Dans la société de consommation, l’homme est incapable de comprendre la valeur intrinsèque des choses, il mène donc un processus de mise au rebut et de remplacement continu dans une sorte de boulimie de consommation. L’artiste collectionne.
Franco Farina utilise ces matériaux pour créer sa mythologie contemporaine : ses sujets ont un caractère sacré monumental, ses madones aux cheveux d’étain enchantent le spectateur par leur beauté suspendue entre ciel et terre. Dans ces œuvres, les objets récupérés gardent clairement leur propre empreinte, ils sont reconnaissables, souvent comme une madeleine proustienne, ils nous emmènent dans un voyage vers notre passé avec un voile de mélancolie, la même mélancolie qui traverse les bras languissants de nombreuses œuvres de Farina.
Nous sommes face à un art de la contestation, un art qui remet en cause le mode de vie actuel fait d’insatisfaction et de course aux biens totalement superflus. Les déchets deviennent ainsi une métaphore de ce qui vit en marge, dans l’ombre, pour ceux qui souffrent et voient leur douleur totalement ignorée. Dans cette exposition, les déchets retournent chez eux, nous conduisant dans un lieu souvent ignoré : le centre de collecte Crispiano devient une galerie d’art, reprenant toute sa dignité, comme les objets qui y vivent et les travailleurs qui y vivent. Franco Farina nous invite à nous arrêter, à ralentir, à contempler “la beauté merveilleuse et déchirante de la création”, comme les deux marionnettes (Totò et Ninetto Davoli) qui ont fini à la décharge dans le chef-d’œuvre de Pier Paolo Pasolini “Che cosa sono le nuvole?”
Sara De Carlo
Historienne de l’art
Franco Farina’s art gives the eye of the beholder the dignity of things. His creative process stems from a chance encounter with discarded materials: in a sort of elective affinity, the object is taken from its state of abandonment and in the artist’s hands it brings out its own character, becoming pictorial matter.
With great skill – deriving from his past as a restorer – Farina mixes and combines pigments with the most disparate materials such as wood, sheet metal and tin cans from a few decades ago. In this way, the pictorial surface becomes almost three-dimensional, overflowing from the confines of the painting like a Robert Rauschenberg combine-painting. Rauschenberg was tormented by the contradictions of a consumer society that was merciless towards what was now part of the past, and this drove him to appropriate and manipulate that very past, to reuse waste by rescuing it from its condition of waste, encompassing the world of reality like a magnet on the surface of the work.
It was the English critic Lawrence Alloway who coined the term Junk art in 1961 on the occasion of the exhibition The Art of Assemblage at the MoMa in New York, trying to define a form of art that made use of the discards of consumer society and that saw its origins in Cubist collages, in Dadaist ready-mades, in the accumulation that Kurt Schwitters did with his maximum work Merzbau, but also in the works of Alberto Burri made with worn-out jute sacks that preserved their original meaning by carrying the pain in the lacerations.
There is nothing piteous or pathetic in the gesture of collecting what consumer society has thrown away, no intention of giving other meaning to things, we are not in front of a recycling work that by its very nature transforms the waste to obtain something else – something useful without a doubt – but this is not what Franco Farina does, nor his predecessors.
The scraps I am talking about are lived things that tell their own story through the marks they bear, and it is precisely this that makes them fascinating. The Apulian sculptor Ezechiele Leandro, who made waste materials the basis of his art, used to say “everything that humanity discards, I collect”. In the consumer society, man is unable to understand the intrinsic value of things, so he carries out a process of continuous discarding and replacement in a sort of consumer bulimia. The artist collects.
Franco Farina uses these materials to create his contemporary mythology: his subjects have a monumental sacredness, his madonnas with their tin hair enchant the spectator with their beauty suspended between heaven and earth. In these works the salvaged objects clearly retain their own imprint, they are recognisable, often like a Proustian madeleine they take us on a journey into our past with a veil of melancholy, the same melancholy that runs through the yearning arms in many of Farina’s works.
We are faced with an art of protest, an art that challenges today’s way of life made up of dissatisfaction and the race to obtain totally superfluous goods. Waste thus becomes a metaphor for what lives on the margins, in the shadows, for those who suffer and see their pain totally ignored. In this exhibition, waste returns to its own home, leading us to a place that is often ignored: the Crispiano collection centre becomes an art gallery, taking back all its dignity, like the objects that live there and the workers who live there. Franco Farina invites us to stop, to slow down, to contemplate the “heart-rending marvellous beauty of creation”, like the two puppets (Totò and Ninetto Davoli) who ended up in the dump in Pier Paolo Pasolini’s masterpiece “Che cosa sono le nuvole?”
Sara De Carlo
Art historian